Presentación del proyecto CÓMO DOBLAR TU DINERO: 10 de noviembre en la Residencia de Estudiantes. De 11:30 a 12:30 h. C/ Pinar 21-23. 28006 Madrid

Cómo doblar tu dinero tiene un formato social, en el que los vecinos sean quienes aprendan a realizar las figuras de papiroflexia con sus propios billetes y las utilicen con normalidad. La plusvalía ahora no se materializa en un aumento del valor económico, sino en un añadido humano, sentimental, en un gesto artístico gratuito.

 

Fotografía: Rafael Julián

Lo que en esta ocasión se propone es realizar unos talleres de papiroflexia con billetes. ¿Cómo hacer más humano el papel moneda? ¿Cómo sentirlo como un objeto en sí mismo? ¿Cómo darle un sentido y sacarlo fuera de la enajenación que conlleva su naturaleza de medio de cambio? De este modo también el ciudadano escapa de esa enajenación que supone el uso del dinero, transformándolo en algo lúdico, acercándolo al sentimiento, al goce de la papiroflexia. En una parada de autobús, en la sala de espera del médico, en cualquier momento vacío podemos entretenernos y elaborar una forma con este papel tan familiar, tan a mano. Una serie de dobleces que dan forma a un simple billete. Al utilizar el dinero, podemos intercambiarlo con esa forma dada, aportando algo de nosotros al producto, humanizando el medio de cambio, haciéndolo a la vez valor de cambio, y un valor sentimental, donde ponemos esfuerzo para que el receptor de nuestro billete nos acompañe con una sonrisa, con un gesto de cariño y simpatía.

 

Todos los participantes en el taller, sin límite de edad, aprenderán a elaborar sencillas figuras con su dinero. El objetivo es que en el uso que hagan de esos billetes añadan su trabajo con los dedos, es decir, que utilicen el dinero transformado, con forma de pajarita, de pavo real, de grulla o de canario cuando vayan a comprar en el mercado, en la panadería, en el quiosco de periódicos.

   

 

No sólo enseñaré a hacer cuatro tipos de figuras de origami con billetes de la moneda del país (grulla, pavo real, pajarita y canario), sino que explicaré la idea de la plusvalía emocional y la transformación de un medio de cambio en objeto de cambio, e invitaré a los participantes a utilizar sus figuras para pagar en los comercios y establecimientos habituales (cine, mercado, bar, etc.).

 

Cómo doblar tu dinero remite a un ejercicio lúdico, a un pasatiempo, como podría considerarse la papiroflexia. Ese trabajo manual que ocupa el tiempo de ocio y sirve a muchos como descanso o terapia, es aquí un trabajo artístico. ¿Es el arte una actividad que aparece (como la filosofía) cuando las necesidades primarias están cubiertas, es decir, cuando existe un tiempo para el ocio? O, como diría Duchamp, ¿es el arte del siglo XX un mero pasatiempo sin importancia, como si estuviéramos atravesando un período dulce y todas las guerras por las que hemos pasado fueran parte del decorado?[1]

 

  

            En ese pasar el tiempo sin importancia es donde yo propongo este trabajo: mientras esperamos al autobús, nos tomamos un café en un bar sin compañía, esperamos en la peluquería, charlamos en casa con la familia…, es en esos momentos donde nos ocupamos de elaborar nuestras figuras. Esos dobleces que conforman cada origami nos hacen ser conscientes de lo que tenemos entre las manos, reflexionamos sobre ese material, nos da lugar a pensar sobre su valor, su uso, la necesidad que tenemos de él… No convivir con ello de manera inconsciente.

  

 

            Cuando lo damos a cambio de un objeto o servicio, estamos dando no sólo un papel que simboliza nuestro trabajo profesional, sino también un trabajo real, tangible, visible… y hermoso. Y no se lo damos a una multinacional, a un banco, a un ser invisible, sino a aquel que lo recibe detrás del mostrador, de la barra de bar, de la caja del supermercado, quien lo tomará con una sonrisa. Inevitablemente lo deshará para poder meterlo en la caja, pero ese gesto permanece, esas marcas de los dobleces en el papel seguirán ahí, para que cuando otra persona lo encuentre pueda saber qué ha sucedido ahí, en ese papel.

 

10 metros de pajaritas de un dólar.

Instalación. Impresión digital sobre papel 1 x 10 metros.

En esta instalación presentada en UNONEALLCENTRO SUBMERGED art gallery, en Newark (NJ), un papel pintado de 10 metros nos rodea de pajaritas con la imagen de un billete de dólar estadounidense recreando un motivo decorativo en forma de greca.

 

 

 

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Deia Osteguna, 2009ko irailaren 24a      KULTURA BEGIRA  63

 

Daniel Silvo y Nicolás Laiz han basado su último proyecto artístico en una entrevista aXabier Arzalluz. En ella, el ex político vasco opina sobre el Guggenheim, el arte vasco, Ibarrola y el ‘Guernica’. TEXTO María R. Aranguren

¿Por qué pedir el ‘Guernica’?

LO vieron mientras atendía a unos periodistas cerca del Guggenheim el pasado 1 de marzo, día de las elecciones al ParlamentoVasco, y aprovecharon la coincidencia para pedirle una entrevista. Daniel Silvo (Cádiz, 1982) y Nicolás Laiz (Lanzarote, 1975), becados durante el curso 2008-2009 en Bilbao Arte, han basado su nuevo proyecto artístico en las declaraciones del ex presidente del EBB del PNV Xabier Arzalluz. Su trabajo, un vídeo de 58 minutos en el que entrevistan al ex político vasco en su despacho, se podrá ver en el Espacio Abisal en el barrio de San Francisco de Bilbao desde el sábado hasta el 18 de octubre. En él, Xabier Arzalluz opina sobre el efecto Guggenheim, la proyección internacional de los artistas vascos, el Bosque de Oma de Agustín Ibarrola y las relaciones entre arte y poder, entre otros temas. “Quisimos comenzar la entrevista hablando del Guggenheim porque cuando nos juntamos con él por primera vez nos señaló el edificio de Gehry y nos aseguró que no se había construido por amor al arte”, señala Daniel Silvo. Ésta fue una de las declaraciones que más sorprendieron a los artífices de este proyecto titulado Y Dios Creó la política...: “Nosotros no éramos gente interesada en el arte de verdad, lo que queríamos era crear un punto de atracción y lo conseguimos. Todos estuvieron en nuestra contra, incluidos los socialistas, cuya única aportación fue pedir la reducción del proyecto, y sin embargo ahora todo el mundo reconoce el efecto Guggenheim”.

El vídeo parece más periodístico que artístico, aunque Silvo lo defiende: “Queríamos que el formato fuera lo más objetivo posible, por eso está prácticamente sin editar. Lo artístico del trabajo es su intencionalidad y también el lugar donde se muestra”.

El objetivo de los artistas con este vídeo es “introducir el arte en la vida como si fuera una inyección”

 

Su objetivo era acercar a un personaje que aparentemente no tiene nada que ver con el mundo artístico al arte, y viceversa. “Desde los años 60 se ha buscado la conexión entre arte y vida. Nosotros queremos introducir el arte en la vida como si se tratara de una inyección”,cuenta Silvo. No es el primer trabajo de estas características que realiza el artista, aunque nunca antes había colaborado con Laiz. En un trabajo anterior recoge la relación de las mujeres subsaharianas residentes en el sur de Francia con el arte, y ahora planea entrevistar a Fraga para hablar sobre el mismo tema.

IBARROLA Y ‘GUERNICA’ Los autores no quieren entrar a valorar las declaraciones del ex político. “Hay muchas opiniones con las que discrepamos pero ésa no es la finalidad del trabajo. No pretendemos hacer una crítica. Simplemente queremos sacar en claro su punto de vista. A lo largo de la entrevista él nos lanza provocaciones pero nosotros no entramos a discutir”, señala Silvo.

Otro de los puntos controvertidos tiene que ver con el Bosque deOma, obra de Agustín Ibarrola a la que Xabier Arzalluz califica de “atropello”. “Si al menos hubiera comprado los pinos...”, señala en un momento del vídeo. Aunque nada puede ser más  políticamente incorrecto que relativizar el valor del Guernica de Picasso. “Nunca he percibido que fuera una obra tremenda”, confiesa Arzalluz, que en diversas ocasiones alude a su condición de “no experto” en arte. “Sé que hay gente empeñada en traerlo, pero yo creo que fue un encargo del Gobierno de la República. Que bombardearan Gernika no significa que tengamos legitimidad jurídica para traerlo aquí”, señala. “La sensibilidad de traer el cuadro debía de haber estado en Madrid”.

Los autores no valoran las declaraciones del político porque consideran que no es la finalidad del trabajo

Cuando le preguntan por sus autores favoritos, señala a Chagall, Oteiza y Goya. “Eso me pareció muy bonito”, comenta Silvo. “Que señalara a Goya, ¿a quién si no? Goya tiene muchísima fuerza, la misma que tiene Arzalluz conversando”. Para el ex político, el arte es fuerza –“no hay más que ver cómo supieron utilizarlo Hitler o Stalin para sus fines políticos”– y algo más. “El arte es uno de los elementos más importantes a la hora de forjar una sociedad”.

DANIEL SILVO - ARTISTA

por Eduardo Hurtado

Daniel Silvo (Cádiz, 1982) termina su residencia en Bilbaoarte con un “Y Dios creó la política”, un proyecto compartido con Nicolás Laíz. Se trata de una entrevista de 58 minutos a Xabier Arzalluz sobre arte, que puede verse en Espacio Abisal hasta el 18 de octubre.

«El límite en el arte, como en la vida, se lo debe poner uno mismo» 

Desprende una energía muy distinta a la que estamos acostumbrados a ver en los artistas. Siempre correcto, mantiene la mirada atenta y una sonrisa de oreja a oreja. Nos acercamos a una pequeña cafetería, donde tenemos la ocasión de conversar sobre arte, educación y política.

¿Cómo llegó al mundo del arte?

Comencé con la idea de hacer arquitectura. La verdad es que no tenía idea de ser artista, prefería dedicarme al mundo del diseño industrial o al diseño gráfico.

¿Qué le ocurrió para cambiar de idea?

En la facultad te enseñan a dibujar y pintar de un modo muy académico. En Madrid es así, hasta el último curso uno no puede desarrollar sus ideas. Siempre tuve claro que lo que yo hacía en clase no era lo que yo quería hacer, me interesaba la fotografía y elaborar un discurso propio.

¿Es importante entonces ese contacto con el sistema institucional del arte?

No tanto por generar una “red social” como por conocer lo que se estaba haciendo. Es importante saber qué hacen otros artistas, cuáles son los discursos y la manera de hacer. Hay que dejarse influir.

¿Cree que existe una estrategia para dedicarse a esto?

Desde luego, hay que preparar buenos dossieres, explicar bien los proyectos. Pero creo que sí, hay una serie de filtros por los que hay que pasar, como INJUVE o Circuitos, en Madrid. Pero no hay que quedarse sólo con eso.

¿Es importante entonces buscar una mayor proyección?

Hay que buscar una proyección internacional. Esto es muy pequeño, si uno no va fuera... puede sonar muy mal, pero aquí no hay dinero. Las grandes galerías y los coleccionistas están fuera. Para hacer algo “serio”, al margen de la obra que uno haga, a nivel profesional hay que salir.

¿Cómo encaja su obra, que es crítica con el sistema, con todo esto? ¿Se ha encontrado con problemas?

Respecto a mi obra nunca nadie me ha dicho nada, lo que se diga en el backstage es otra cosa. Yo creo que no hay que adaptar nada, sólo pensar dónde puede estar tu trabajo y dónde no. No hay que forzarlo, de hacerlo, estás destruyendo lo que haces, y eso se nota. Eso no es bueno, incluso, para el reconocimiento de uno.

¿Es que el arte puede hablar de todo?

El arte debe poder hablar de todo. No hay que dejar de tratar de ningún tema. No digo con eso que no exista un límite moral, hasta cierto punto. Pero ese límite se lo debe poner uno mismo, en el arte y en la vida en general. Hay artistas que están en el límite, y es importante que haya gente trabajando ahí. Pero yo no dejaría morir un perro en una galería, por ejemplo.

¿Cómo es su relación con los comisarios?

El artista tiene su discurso y el comisario tiene otro, pero ambos tienen que ir de la mano. El buen comisario los hace conjugar, generando a partir de esas ideas otras nuevas que van más allá.

¿Cómo surgió la coalición con Nicolás Laíz?

Nuestros trabajos tienen mucho que ver. Aunque Nicolás es pintor y yo soy más conceptual, nos interesan las mismas cosas. El tema político, sobre todo. Viniendo él de Canarias y yo de Madrid, hemos aprendido mucho entrando en un contexto tan particular como es el vasco. Nosotros veníamos con unas ideas y aquí las hemos contrastado.

¿Cómo viven desde un punto de vista artístico, siendo de fuera, la realidad vasca?

Con mucho humor. Con ironía. Personalmente, no me gusta discutir, enfadarme o polemizar de una forma cruda. Prefiero reírme antes y creo que no es necesario sacar las cosas de quicio.

Y ese es el punto de partida del proyecto “Y Dios creó la política”, en el que entrevistan a Xabier Arzalluz sobre arte...

Sí. Queríamos hacer algo juntos, pensábamos en una muestra de otro tipo: pintura, instalación..., pero surgió la entrevista, casi de manera azarosa, y decidimos quedarnos con eso. Tuvimos la idea peregrina de hacerle una entrevista a Arzalluz y nunca pensábamos en poder hacerlo. Pero justo el día de las elecciones nos lo encontramos paseando por el Guggenheim y tuvimos la oportunidad de acceder a él. Al final, el proyecto habla de cómo todo se politiza...

Todo surge en un marco incomparable, el Guggenheim, Arzalluz...

Sí, fue curioso. Estaba realizando una entrevista para CNN y, en un momento de despiste, me acerqué, le saludé y le dije que éramos dos artistas que estamos de paso por Bilbao. Le propuse hacerle una entrevista sobre arte. Se me quedó mirando y me dijo: «yo de arte no tengo ni idea; esto (señalando al Guggenheim) no lo hicimos por amor al arte, esto lo hicimos por una coyuntura económica». Y aceptó. No puso ninguna pega.

¿Y el partido?

Arzalluz está por encima del partido (ríe).

¿Sabía que iba a ser una pieza artística?

No le dijimos que lo íbamos a exponer, pero sí, el sabía que éramos artistas y que ése era el contexto de la entrevista. No hemos tocado sus palabras... es íntegra. La entrevista tiene dos partes, una en la que habla sobre el “Guernica”, y otra en la que entra más en la política cultural del PNV, el Guggenheim, Oteiza...

¿También Oteiza?

Nos habló muy bien de Oteiza, decía guardarle mucho cariño. Mantenían una buena relación, los dos tenían un carácter muy fuerte y creo que por eso se llevaban bien.

¿Qué le falta al arte?

Le falta iniciativa privada. Pero eso depende de la educación. Es importante que la gente comprenda el arte para que también entienda que puede invertir en él, en lugar de hacerlo en pisos.

 

 

2009 Mármol blanco y metal 30 x 335 x 2 cm

 

Javier Díaz-Guardiola: For Circuitos you decided to tackle an object along with Saint Thomas Aquinas and his “Suma Theology”. What is “Pulchrum Est Quod Visu Placet”?

Daniel Silvo: I’m not trying to review Thomistic aesthetics, but rather starting with a definition of beauty that relies on vision, I question the onlooker’s ability to understand a piece and to take in its beauty when paying attention solely to its form and rejecting its content.

The text of the piece, in Braille, appears to the onlooker as something cryptic. The fact that he/she is unable to understand does not mean that the content of that form – those gold points shaping the words in an unknown language– is not real. This is emphasized by the fact that some individuals –blind people– are able to understand it.

The text, however, arranged like a frieze at a height of three metres, is out of reach, and consequently the content is rendered impossible even for the blind. For someone blind the only access to the piece would be the description a sighted person could provide.

 

 

JDG: The work of art got over the concept of beauty some time ago. Do you relate the aesthetic with the useless?

DS: Beauty has changed shape and is no longer indispensable, but that doesn’t mean it is not contemporary. To reject it does not imply greater artistic quality, but neither does accepting and nurturing it. Perhaps mine is a reactionary gesture, since I propose high quality, shiny and long-lasting materials. In terms of form, I am regressing to other periods. With regard to the Thomas of Aquinas’ definition, I prefer not to argue about whether it is true or false. It is real, pronounced in the 13th century in a theological context. I ask myself whether sight is necessary for the perception of a work of art and what contemplation means. I do not relate the aesthetic with the useless. In fact, I think everything has a use, in art too, and this is proved by there being a market. However: for what or for whom it exists is another question. So far we’ve talked about utilitarianism in a bad light, but we could talk about it positively too: art as a means to know reality, to provoke thought and aesthetic pleasure...

 

JDG: Para Circuitos te atreves con un objeto y con Santo Tomás de Aquino y su “Suma Teológica”. ¿Qué es “Pulchrum Est Quod Visu Placet”?

DS: No trato de revisar la estética tomista, sino que, partiendo de una definición de lo bello que apela a la visión, cuestiono la capacidad del vidente de entender una obra y de aprehender su belleza ateniéndose solamente a la forma y renunciando al contenido. Su texto, en braille, se muestra críptico para el vidente. Que no se pueda comprender no significa que el contenido de esa forma no sea real, esos puntos dorados que conforman palabras en un lenguaje desconocido. Esto se pone en evidencia si consideramos que sí que existen personas capaces de entenderlo: los ciegos. Sin embargo, el texto, situado a tres metros de altura a modo de friso, es inalcanzable para el tacto, por lo que también para ellos el contenido se hace imposible. Para el invidente, el único acceso a la obra es la descripción que le haga una persona vidente.

 

JDG: El concepto de belleza está ya más que superado en la obra de arte. ¿Relacionas lo estético con lo inútil?

DS: La belleza ha cambiado de forma y ya no es imprescindible, pero eso no significa que no forme parte de lo contemporáneo. El renunciar a ella no es signo de mayor calidad artística, pero aceptarla y cuidarla, tampoco. Quizá el mío sea un gesto reaccionario, proponiendo materiales nobles, brillantes, duraderos... En lo formal, estoy regresando a valores de otras épocas. En cuanto a la definición que da Tomás de Aquino, no quiero discutir sobre si es verdadera o falsa. Es real, dada en el siglo XIII y en un contexto teológico. Yo me pregunto sobre si es imprescindible la visión para la percepción de la obra de arte y qué significa la contemplación. No relaciono lo estético con lo inútil. De hecho, considero que siempre hay una utilidad en todo, también en el arte, y de eso da fe que exista un mercado. Ahora: para qué o para quién, es otra cuestión. Hasta ahora hemos hablado de un utilitarismo con unos rasgos negativos, pero podemos hacerlo en un sentid positivo: El arte como medio para conocer la realidad, para provocar la reflexión, generar goce estético...

 

En ese trabajo realizado en la Fundación Bilbao Arte hago referencia a la estética y la imagen corporativa de los Cuerpos y Fuerzas de Seguridad del Estado. Diferentes piezas en variadas técnicas y formatos se acercan a un tema inavitablemente político pero tratando de mantenerse exclusivamente en su aspecto estético. De ahí mi interés por el conjunto escultórico que forman la obra de Vicente Larrea y los dos Nissan Patrol de la Guardia Civil en el cruce entre la calle Elcano y Colón de Larreategui en Bilbao. También me intereso por las formas suprematistas de la decoración de los coches de la policía local, los volúmenes compactos de los furgones de la Ertzaintza y las posibilidades formales que ofrece un recortable de una patrulla de la Policía Nacional.

Ertzaintza. Madera. 130 x 65 x 50 cm. 2009

 

Policía Nacional. Impresión digital en papel Din A4. 300 copias. 2009

 

Guardia Civil. Fotografía color sobre aluminio protegida con vidrio de seguridad. 160 x 220 cm. 2009

 

Policía Local de Bilbao. Serigrafía sobre papel, serie de 10. 50 x 70 cm. 2009

 

El día 15 de julio se inauguró la exposición Abierto por Vacaciones, que cada año realiza la galería Michel Mejuto invitando a un artista joven a presentar su trabajo. A esa muestra llevé la obra Cien Formas de Doblar tu Dinero, que estoy realizando en Bilbao Arte desde principios de este año. Podremos verla hasta el día 31 de agosto, y en la web en

     

19/07/09 Deia. Artea

El valor del arte

X. SÁenz De Gorbea

 

                La magia como instrumento para alcanzar un objetivo se manifiesta en Conjuros y rituales para una buena obra a través del lenguaje taumatúrgico de la hechicería. El fin de estos ritos mágicos es aquí el de conseguir que un artista y/o su obra logren un fin exitoso.

 

                La naturaleza de Conjuros y rituales… hace que su apariencia resulte ambigua. La obra de arte, ¿son los documentos que contienen las instrucciones para realizar la instalación o performance del artista? ¿O es verdaderamente un ritual para que otro artista alcance sus expectativas? ¿O es en cambio un medio para que esa misma obra logre ese fin que se propone? ¿Cuál es la obra de Conjuros y rituales…: la instalación subsiguiente, la acción de realizar el ritual, la obra de net-art…?

 

                Conjuros y rituales… nos recuerda que el origen del arte está en el pensamiento mágico del hombre, y de esta manera propone la cuestión sobre si la obra remite a otras realidades y necesidades ajenas al propio arte.

 

             Esta obra está presente en internet en forma de blog, donde se irán añadiendo rituales a lo largo del tiempo. Es por tanto una obra de net-art basada en la web 2.0. La dirección es http://niniofidencio.blogspot.com/ .

 

           

Al ciudadano Secretario General de Gobierno de Monterrey, N. L.

Con el presente oficio, me permito poner en conocimiento de Usted, a un curandero, que supongo que es lírico, pues es un hombre embustero que está engañando al público. Que cura sordos, ciegos, mudos, paralíticos y muchas otras enfermedades.

No les cobra nada por curarlos. Les llena botellas de agua y se van para distintos rumbos. Pero es un escándalo.

Y a nadie sana. Al contrario, se le han muerto dos personas en la casa del primero, y el otro se murió solo.

Se levantó el acta de defunción, de no conocido, otra mujer de lo mismo, esta (sic) no se ha levantado, pues no sabemos como (sic) se llama, ni a que edad murió.

Sírvase ordenarme como (sic) le doy entrada en los libros.

Este curandero le importa poco como (sic) se llama la enfermedad que está curando. Sería vueno (sic) que lo exsaminara (sic) un consego (sic) médico.

Está embromando las enfermedades, y a última hora no las sana, porque no cura con medicina de patente, solo (sic) con yerbas cosidas y selas (sic) da que selas (sic) tomen.

Fabor (sic) de contestarme tocante a esta difución (sic). No se sabe la edad ni el nombre, ni donde es su recidencia (sic).

Sufragio efectivo, No reelección. Espinazo N. León a 15 de Agosto de 1927. El juez del registro Civil, Tomás Olivares

 

 

 

 

  

ODYSSEUS IN BERLIN 

video DVD color, 4 min. 2005

     

Odysseus in Berlin es una comparación entre el indigente y el héroe. Ulises llega solitario a la isla de los feacios. El mar (Poseidón) ha hecho naufragar su embarcación y ha lanzado a Ulises a la playa. Allí encuentra dos árboles entre los que cobijarse, y un puñado de hojas con las que taparse. En esas condiciones pasa la noche. Al sustituir las hojas de nuestro héroe por cartones y papeles de periódico, nos encontramos debajo con uno de tantos homeless que habitan nuestras calles. Éstos transportan sus pocas pertenencias en uno de esos carros de la compra, esas herramientas de consumo que satisfacen los deseos de todos nosotros, afortunados ciudadanos. Apropiándose de estos vehículos, realizan su particular viaje a través de las calles de nuestra ciudad, sin un rumbo fijo. O si lo tienen, ellos no lo saben.

 

Odysseus in Berlin nos trae a Ulises como un héroe-indigente. Con las hojas con las que se cobijó al naufragar en la isla de los feacios, hacemos un recorrido por Berlin, como lo hacen cada día los indigentes con sus carros de la compra.

BREAKFAST

1er premio Generación 2005 Caja Madrid

 

En las respuestas de esta entrevista a Michael, un joven artista de Nairobi, se encuentran las claves de su proceso creativo. Él mismo cuenta detalladamente los problemas a los que se enfrenta cada vez que se pone delante de su obra y cómo trata de resolverlos. El swahili, lengua que utiliza Michael para relatarnos sus expreiencias, nos resulta complicado de comprender, así como su traducción al persa. Es por eso por lo que el espectador occidental puede tener problemas para atender al contenido de la charla. De este modo debe esforzarse en leer las imágenes que acompañan al texto. Estas imágenes de un desayuno, metáforas de la creación artística, intentan hacer entender algunos puntos de la experiencia creadora. El público se posiciona ahora ante la obra de una manera más activa. Debe transformarse, de mero receptor, en crítico activo. Es él quien va a dar esas claves y respuestas, quien va a ponerse en lugar del artista para averiguar qué piensa o qué pretende comunicarnos. Tendremos entonces un espectador-crítico y un espectador-artista, abandonando la postura de "telespectador", algo que no es tarea fácil.

    En este lenguaje visual lleno de símbolos, es el espectador el encargado de interpretar la obra. Es, en este caso, el encargado de interpretar las respuestas sobre el arte, es el que responde a esas preguntas.

DVD color, 4 min. 2004

 
Breakfast from Daniel Silvo on Vimeo.

 

TECHNOACEITUNAS

en la colectiva de videoarte español Monocanal (MNCARS, 2003)

 

      

 

video DVD color, 2'7", 2002

texto: Tania Pardo

Es la Española una aceituna como ninguna (que está rellena de rica anchoa)

Hace mucho tiempo conocí a una aceituna que no tenía hueso. Pobre y desposeída de su esqueleto se manifestaba en contra de los opresores que pretendían rellenarla de anchoa. ¿Por qué ella debía ir desposeída de su oculta anatomía?. En el Reino de las olivas, no todas son verdes y con huesos, esas son las de belleza imperante, como para nosotros, los humanos, lo es la blanca y occidental. No, también existen olivas negras, e incluso otras atravesadas por insufribles palillos que rozan sus cuerpos con pestilentes boquerones avinagrados.

 

Este fruto es el aperitivo más socorrido por excelencia, utilizado como alimento por griegos y españoles, ha servido ahora de pretexto para hablarnos desde una candorosa e inocente postura, con música techno de fondo, de un problema racial; ya que Daniel Silvo muestra a alegres aceitunas que han cobrado vida mezcladas e integradas, danzarinas alimenticias, negras y verdes. Podría aludirse al problema de la inmigración y el mestizaje o, sencillamente, referirse a la aceituna como alimento, que ha traspasado cualquier estrato social, y lejos del poema de Miguel Hernández, que dice “andaluces de Jaén, aceituneros altivos”, (pues ahora las altivas son ellas) podemos hablar del modo en que este artista se diluye en la frontera del objeto, ahora gastronómico, para darle vida, movimiento e inestabilidad.

 

Las insurgentes olivas se deslizan por el plato como si de una pista de baile se tratara, han cobrado vida, para decirnos que ellas también sienten. Pero finalmente las venturosas aceitunas buscan nuevos lugares por los que perderse en un canto  al movimiento migratorio de los últimos tiempos. De nuevo, Daniel Silvo ha posado su mirada en algo tan usual, como perversamente cotidiano. ¿Qué es una aceituna?, sino el aperitivo saciador de cualquier hambriento.

La mano del artista es la que maneja, manda y acota el irremediable destino de las olivas. Sus movimientos son ficticios, sólo corretean conducidas por la mano que las agita.

Un juego sutil para perderse, atrapados por el baile. Un vídeo que provoca la sonrisa ladeada, ésa que sólo unos pocos logran entender cuando nos referimos a ironía.

 

Daniel Silvo establece un vínculo con el metalenguaje visual al conceder vida a unas enervadas aceitunas que acompasan un baile con una coreografía lineal. Un alimento, a su vez, ancestral, que ha perdido su identidad primigenia y ha pasado a convertirse en un elemento que danza atrapado por el sonido de su nueva generación, ¿son estas las aceitunas que vienen?

 

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Technoaceitunas is a pretext for commenting a serious racial issue from an innocent, naive

point of view, against a background of techno music. Daniel Silvo presents us with the

spectacle of happy, jigging olives which have come to life by being intermixed and

integrated. The artist has opted to show the most common, perversely everyday objects.

Silvo establishes a link with visual metalanguage by granting life to some energetic olives,

when it is his own hand that manipulates, commands and bounds their fate. A video that

provokes the kind of wry smile that only a few are capable of understanding in ironic

terms.

 

           

vídeo documental, DVD color, 29 min

Introduction

Peinture sur la côte d’Azur est un  documentaire avec des traits de fiction dans lequel je propose la question de l’art aux habitants des quartiers d’Aix-en-Provence. Cette région, riche en artistes pendant l’époque moderne, se trouve être le lieu idéal pour faire connaître l’art aux étrangers de l’expression artistique. Jeunes travailleurs, chômeurs, pères et mères de famille… tous prendront part à ce voyage autour de l’art. Car voilà le but de Peinture sur la côte d’Azur : créer un lien entre l’art et les gens des quartiers. 

 L’esthétique relationnelle dans les documentaires de fiction  

L’art contemporain a pris conscience de la nécessité de faire plus prochain l’art au publique, et lui a dilué les frontières entre les deux.

La forme de l’œuvre contemporaine s’étend au-delà de sa forme matérielle, elle est un élément reliant. Quand la discussion esthétique évolue, le statut de la forme évolue. La relation entre la forme et le spectateur, dans l’art actuel devient plus communicative et c’est là où la socialité prend plus d’avantage que la compétition et la violence. Toute œuvre d’art se définit comme un objet relationnel. C’est cette relation qui fait l’évolution de l’art. Les ouvres sont marqués par l’idée de relation et rencontre.

  Le voyage comme apprentissage et lieu de rencontre

Le voyage est pour moi un parcours plein de sens où nous devons prendre conscience de notre sortie, son but, sa vitesse… notre être physique. Normalement, on voyage en compagnie, ce qui nous donne l’occasion de nous rapprocher des autres. Le voyage est le mouvement d’un corps à travers le ciel, la mer, la terre. Chaque mouvement a sa spécificité. Penser à chacun de ces mouvements nous rend davantage conscient de son sens. Et nos compagnons de voyage nous aident à faire cet exercice. Le voyage nous prend notre temps, mais c’est du temps gagné si on sait en profiter.

Le projet

Concept

Un voyage d’Arles à Aix-en-Provence avec des habitants des quartiers qui discutent sur l’art et la peinture. Depuis la Fondation Vincent Van Gogh à Arles jusqu’à Aix, le voyage permet d’établir une relation entre l’art et les gens. Chacun a son propre rapport avec l’art, et c’est ce qu’ils nous racontent. Il n’y a pas de scénario pré-établi : la conversation est spontanée et improvisée. Après une visite à la Fondation Van Gogh, à Arles, on s’arrête pour un pique-nique sur l’herbe, puis on fini sur la montagne avec le couché du soleil. 

Acteurs

Les acteurs sont les habitants des quartiers d’Aix, gens a priori sans beaucoup de rapport avec l’art, mais avec des choses à dire sur l’art. Car finalement, tout le monde a, une fois ou un autre, quelque relation avec l’art. Le côté documentaire de mon travail : prendre la parole des habitants des quartiers. Quelques questions pour lancer la discussion : avez-vous déjà peint? A l’école, aimiez-vous l’histoire de l’art ? Avez-vous des artistes dans votre famille ? De tout façon, il y aura au moins deux personnes pour animer la conversation : un salarié d’Anonymal et moi.

Le casting se ferai avec la collaboration des centres socioculturels des quartiers : Albert Camus (Corcy), Alphonse Daudet (Aix Nord), Les Amandiers (Jas du Bouffan), Tivoli (Beisson) et ATMF. Il s’agira de choisir des personnes fréquentant habituellement ces centres, afin de, non seulement pouvoir les contacter plus facilement, mais aussi parce qu’ils seront habitués à prendre part à une activité de groupe.

Public

Ce film est destiné aux participants du voyage, bien sûr, ainsi qu’à leur famille, amis, voisins, … C’est une vidéo des habitants pour les habitants qui déclenchera une discussion et donnera peut-être même à ce public l’envie de découvrir davantage le monde de l’art.

Voyage

On commence dans le camion, en route vers Arles. On discute du rapport de chacun avec l’art.

On arrive à la Fondation van Gogh. Là bas, on rencontre le guide de l’exposition qui nous parle des oeuvres qui il y a dans les salles. Chacun exprime son idée sur les tableaux. Au sortir du musée, on peut s’exprimer plus librement parce que le guide n’est pas là. Pendant le voyage de retour on discute plus chaleureusement sur l’exposition, les artistes, l’idée qu’on a sur la vie d’artiste, l’art contemporain…

On fait une pause dans une aire de repos, pour pique-niquer tous ensemble. Un repas sur l’herbe, un hommage au Déjeuner sur l’herbe de Manet, pendant lequel la discussion ne s’arrête pas. Chacun parle davantage de lui-même, de sa propre vie, la conversation devient plus intime et personnelle.

Sur la route, on voit plusieurs fois la montagne St Victoire, le sujet de plusieurs des tableaux de Cézanne.

Le voyage prend fin dans une rue depuis laquelle on peut voir la montagne Sainte-Victoire.

But du travail

L’objectif de ce travail, c’est d’intégrer dans une discussion sur l’art une tranche de la population d’ordinaire moins écoutée, de leur donner la parole pour permettre l’expression d’un point de vu peut-être naïf ou amateur, mais certainement différent. Suite à ce projet, les citoyens du quartier, qui n’avaient eu aucun ou peu de contact avec l’art, pourront désormais en parler par rapport à leur expérience dans le projet Peinture sur la côte d’Azur.

      Shooting Stars. video DVD color, loop (2 min.) 2006

SHOOTING STARS

La orilla del mar está estrellada. Palomitas de maíz recorren, estrellas fugaces, el techo de la sala. Nos hacen contemplar un movimiento continuo, siempre fugaz, que las lleva fuera del plano. interminables agrupaciones de cuerpos celestes. Las guías que nos muestran se nos hacen difíciles de comprender, encriptados significados que se nos revelan en la oscuridad. Una mirada iluminada los descubre, listos para ser interpretados, como el futuro entrevisto en los posos del café.

   Vía Láctea. Vídeo DVD color. 1'37". 2006  

El final de ese viaje de estrellas está en la orilla. Ahí yace toda esa materia, toda esa energía luminosa, esperando a la próxima marea. Allí vamos a contemplarlas, con los pies mojados, hundidos en la arena. Allí vamos a recoger estrellas saladas.

Un paseo entre las barcas nocturnas envaradas en la orilla nos enfría los pies y nos hace estremecer. Miramos al suelo, todo lo que las mareas nos han traído, y lo que se nos llevarán. Botes de plástico, trozos de corcho, bolsas, latas, conchas de animales marinos, restos de detergente, palomitas de maíz... Han venido, y se irán. "Todo lo que es abajo", dice Hermes Trimegistro, "es como todo lo que es arriba".

       Étoiles dasns la Rue. Vídeo DVD color. 2'40". 2007

      Estrellas Fugaces en Acapulco. Vídeo DVD color. loop (4 min.) 2008

"Cuando la noche extienda su manto de tinieblas, veréis brillar y gozar del cielo a dos nuevas estrellas. Ésta es la causa de mi furia y desesperación. (…) A quien convertí en osa bestia, Júpiter ha transformado en Osa estrella. ¡Y la veréis resplandecer! Por eso estoy aquí. No puedo soportar la compañía de quién me ultrajó. ¡Y os suplico que no permitáis que estos nuevos astros –flor y fruto de adulterio- se reflejen en el espejo de vuestras aguas, que siempre lo fueron de la pureza!” les habla Juno a Tetis y al Océano en Las metamorfosis de Ovidio.

Constelaciones en el Parking.

Acrílico sobre lona 14 x 38 m Conde Duque 2007

Constelaciones en el Parking pone en contacto la cotidianidad de las líneas del parking del supermercado con lo insondable de las líneas de las constelaciones. Es una transformación que, como las de los dioses griegos, se produce para protegernos del destino desfavorable, es la transformación ejercida en Dafne para protegerla de la posesión de Apolo.

 

En la obra Constelaciones en el Parking, instalada en el Conde Duque de Madrid, el dibujo vertical que propongo para ocupar la lona del patio consiste en un trazado en blanco brillante (con la pintura utilizada para las marcas viales) sobre una superficie pintada en negro mate. Ese trazado es un dibujo que comienza siendo en la parte inferior un ordenado dibujo de líneas de parking, y acaba, en la parte superior, en un cielo estrellado. El orden de lectura, como es habitual en nuestra cultura occidental, es de izquierda a derecha. Y siendo la entrada al patio en la parte izquierda, este recorrido es acompañado asimismo por el desplazamiento del espectador en el espacio. El paseo por el patio hace que las ordenadas líneas se deformen hasta volverse ilegibles desde el punto de vista vial, y se conviertan en dibujos estelares, de la misma manera que la Dafne de Villa Borghesse se transforma en árbol de laurel cuando damos una vuelta alrededor de ella, al experimentar el milagro de la metamorfosis.

 

SÍSIFO

Una y otra vez la fuerza impetuosa de la marea baña las dunas de la playa. Unos cocos, caídos de las palmeras que se mecen sobre la playa, adornan la orilla. Cada ola lleva hasta arriba de la duna al coco, y cuando termina su trabajo, se retira. Pero de nuevo el coco desciende, esclavo de la ley de la gravedad. Cada vez tiene que llegar la ola, como un Sísifo condenado a subir el coco a la duna, pero cada vez el coco baja, desbaratando sin cansarse el trabajo de las olas.

 

Sísifo from Daniel Silvo on Vimeo.

  Sísifo. Vídeo color DVD. loop (3') 2006

9 fotografías color, 30x30 cm. 2006

En 7 causas, presentado en ARCO 06 con la galería T20, presento 9 fotografías de 30x30 colocadas componiendo un cuadrado de 3x3 fotos. En ellas aparecen 7 ratones blancos dentro de una hormigonera de 120 litros, de las que encontramos a pie de obra. Sucia y abollada, la hormigonera aloja a los 7 ratones que reconocen el espacio. Como en una suerte de gran teatro del mundo, esos animales dentro de ese espacio circular, giratorio, mareante, se encuentran desubicados y fuera de su casa, interpretando un papel que tienen que descubrir-inventar. Ese papel es el de motores de la rueda. El trabajo profesional de un ratón es el de mover ruedas, hacer girar esos divertidos juguetes de jaula que los niños miran con tanto interés, como hipnotizados. En esa hormigonera, puesta en marcha por un generador de corriente, dan vueltas y vueltas los siete animales, desubicados aún más si cabe, enloquecidos, ajenos a su papel de motores de ruedas. Es la inversión de la causalidad que por costumbre conocemos: la del ratón que genera el movimiento de la rueda.

 

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